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Title:Italian vocal music XVII century - Raquel Andueza, sopran and Jesús Fernández Baena, theorbo
Gender:Vocal ancient music

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Si dolce è il tormento

Italian vocal music XVII century - Raquel Andueza, sopran and Jesús Fernández Baena, theorbo

This recording presents a selection of pieces from the vast repertoire of arias for solo voice, arie a voce sola, written in Italy during the third decade of the seventeenth century. The pieces chosen, all of them dealing with the ‘sweet tortures’ of love, are among the most beautiful and evocative of the Italian Seicento. The period in which they appeared was one of the most fertile in musical history. The basso continuo, which had been in existence for fifty years or more, reached an important turning point in vocal music at that time. Having set out to rediscover Greek tragedy and its power over the mind, the early theorists of opera upheld the primacy of words over music. They felt certain that the works of antiquity moved listeners by means of verbal rhetoric more than by their musical settings, and so they ‘invented’ recitative as an antidote to the excesses that then existed in the musical elaboration of the accompaniment, thereby acting against music rather than in its favour.

By the 1630s, however, the ‘Florentine’ stile recitativo had begun to pall, and subjection to the poetic text ceased to be an absolute obligation. In the Roman cantata and in Venetian opera, in the works of Rossi, Carissimi, Cavalli, Ferrari and Cesti, pure music gained its independence from the text. Unlike the erratic progressions without any tonal orientation of early Baroque, the harmonic rhythm became enclosed within cyclic structures governed by the combined action of a basso ostinato – a figure in the bass which is persistently repeated – and metrical patterns stemming from the stylised dance. Opera became a catalogue of the affetti, the moods, emotions, passions, which were no longer expressed through the recitative, in the duration of the work, but were instead immobilised, confined to the strophic structure, the closed form, the pezzo chiuso, of the aria.

The aria represented by mimetism the feelings or emotions of a character with the aim of capturing the listener’s imagination and thereby passing those feelings or emotions on to him in turn. Through sound it expressed one of the four temperaments, choleric, phlegmatic, sanguine or melancholic, each corresponding to a different personality type and associated with the four humours, yellow bile, phlegm, blood and black bile, respectively, and also with one of the four elements and the four seasons. A whole system of rhetoric was used to express the characteristics of each temperament, which the composer would identify through significant details in the text. The fiery character of the choleric person (choler being associated with too much yellow bile, the season summer and the element air) would cause his blood to boil, leading to an increase in the speed of his elocution and in the rate of vibration of his voice. Melancholia, caused by an excess of black bile and associated with autumn, dry and cold, and the element earth, caused depression by paralysing the movements of the spirits[i], as low temperatures freeze water to ice; a melancholic person tends to be slow, tardo e lento, with a low, despondent tone of voice. The angry, choleric temperament is recognised in the poet’s allusions to fire; the melancholic temperament is indicated by metaphors to do with cold: references to marble, stone, fear, cold sweats, torpor, sleep. A whole grammar was thus established for the expression of the passions: exaggerated vocalises, high registers and stile concitato for anger; parataxis, episodic form, formal incoherence for mad scenes; low (or extreme) registers, dissonant intervals, faux-bourdons, deep basses, descending Phrygian tetrachords (A-G-F-E), chromatic passacaglias and ciacconas, sarabande rhythms and sudden, unexpected modulations to express melancholy.

Thus, in Tarquinio Merula’s Foll’è ben che si crede, from his opus 13, Curtio precipitato et altri capricii, libro secondo (Venice, 1638), the lover’s ‘sweet suffering’ is translated by a bewitchingly charming melodic line over descending movements in the continuo – formulas that are typical of lamenti in the major mode.

The clue to the ‘black humour’ of L’Eraclito amoroso by Barbara Strozzi, from her Cantate, ariette, e duetti, op. 2 (Venice, 1651), is the figure of the Greek philosopher Heraclitus. He was known to humanists for having wept at the thought of the miseries of this world. The oxymoron expresses perfectly the bipolar character of melancholy, and the fact that a whole series of them appears in this text, with its sweet suffering, delightful sorrow and so on, authorises the composer to write a lamento. Over a bass obsessively repeating a descending Phrygian tetrachord, the melodic line manages to maintain its balance. Sometimes dissonances occur, as on ‘gemiti’, ‘duolo’, ‘lagrime’, while a series of very joyful vocalises on ‘delizia’, ‘gioie’, ‘aggradami’, in counterpoint to the same bass, conveys the idea of pleasure in suffering through a magnificent musical oxymoron.

Amante segreto, also from Barbara Strozzi’s opus 2, describes the tender languishment of a lover who prefers to die rather than declare his love. The choice of the descending ‘major’ tetrachord tempers the bitterness of his black humour, while the insertion of narrative recitatives relieves the obsessive monotony of the bass, and the lover’s determination to keep his feelings secret takes on the value of a refrain that is repeated with the obstinacy conveyed by the basso ostinato that accompanies it.

The lamento Chè si può fare is from Barbara Strozzi’s eighth volume of vocal music, the generically titled Arie, published in Venice in 1664. Here again we find the tension between the antagonistic forces that are typical of the polarities, or extremitas, of melancholy. On the words ‘influsso di pace’ and ‘penare’ the serrated melodic line meanders between the high and low registers, connecting, without resolving, the contrasting qualities of sharp and flat. This brilliant way of conveying the ambiguity of an affetto misto shows the composer’s great mastery of the artifices of musical rhetoric, clichés which she nevertheless uses to serve an eloquence that is above analysis, and which she uses to the best possible advantage to delve into the human soul and evoke marvellously vertiginous abandon and delight.

Like the version by Monteverdi, Voglio di vita uscir by Benedetto Ferrari (Musiche varie, II, 1637) is an exercise in style that flouts Horace’s disapproval of the mingling of tragic and comic styles[ii]. The ambiguity of the piece is very Baroque; the music aims to convey the lover’s sarcasm as he looks at his own failure, observed as by an amused onlooker. To that end the composer combines the verbal emphasis that is peculiar to the lamento with the lively dance rhythm of the ciaccona in major mode made famous by Monteverdi’s Zefiro torna, the springtime ethos of which remains in the cantata by Heinrich Schütz Es steh Gott auf to words such as ‘Aber die Gerechten müssen sich freuen’ (‘But let the righteous be glad’).

The aria ‘da più parti’ Mi serpe nel petto by Maurizio Cazzati illustrates the syntax of operatic bel canto.

Monteverdi remained faithful to the very end to the ‘Florentine’ primacy of words over music, which makes the aria to a text by Carlo Milanuzzi Sí dolce è’l tormento (published in Quarto scherzo delle ariose vaghezze, Venice, 1624) a delightful ‘concession’ to the sensitivity and charm of the type of operatic aria that was prevalent at that time. It is moreover one of his most beautiful arias.

As for the ciaccona by Piccinnini, it again shows the wide circulation of the basso ostinato from Zefiro torna, which had been used by Tarquinio Merula and many others. If the periodic rhythm of this composition is to the lute as the strophic form is to poetry, then Kapsberger’s Toccata VII corresponds to prose rhythms, without any use at all of regular metre. This pieces drifts along from one mode to the other, from one group of intervals to the next, paying no particular heed to the rule of unity of action; the parts are coordinated by parataxis in an episodic form that is typical of notated improvisation. During the Renaissance and early Baroque such syntax gave rise to inspired creative works and brilliant expressions of melancholy; it occurs in laments, memorial works, fantasies and unmeasured preludes. Its artful artlessness – Cicero’s diligens negligentia – is in keeping with the supra-rational character of genius. This music is beyond analysis, beyond the mathematical determination of rhythm; it springs eloquently from the instrumentalist’s fingers as they run over the strings spontaneously capturing the grace and beauty of the piece. Like Froberger’s Plainte faite à Londres pour passer la mélancolie, this music is meant to be played ‘slowly and discreetly’, and with a certain noble nonchalance, con nobile sprezzatura[iii]. In such music – the music of kairos – the spirit, like love and its torments, ‘bloweth where it listeth’, flat ubi vult.

Brenno Boccadoro
Translation: Mary Pardoe


[Translator’s Notes:]

[i] Descartes (1596-1650) used this term in Les Passions de l’âme (The Passions of the Soul). In Article 37, he says that passions ‘are caused by some particular movement of the spirits’.
[ii] Horace, Ars Poetica.
[iii] A notion appropriated by Baldassare Castiglione (1478-1529) in Il Cortegiano from Cicero’s ‘diligens negligentia’.

1. Folle è ben che si crede, Tarquinio Merula (c.1595-1665)
2. L´Eraclito amoroso, Barbara Strozzi (1619-1664)
3. Rissolvetevi pensieri, Barbara Strozzi
4. Ciaccona, Alessandro Piccinini (1566-c.1638)
5. Augellin, Stefano Landi (c.1587-1639)
6. L´amante segreto, Barbara Strozzi
7. Voglio di vita uscir, Benedetto Ferrari (c.1603-1681)
8. Mi  serpe nel petto, Maurizio Cazzati (c.1620-1677)
9. Che si puó fare, Barbara Strozzi
10. Toccata VII, G.Girolamo Kapsberger
11. Son ruinato, apassionato, Benedetto Ferrari
12. Si dolce è il tormento, Claudio Monteverdi (1567-1643)


 “The duo chose a varied program of laments, ground basses, and solo theorbo pieces, primarily works that are well-known and performed often. However, the sense of intimacy between the Andueza and Baena is both unique and palpable. Pieces that I’ve heard over and over again are given life through fresh interpretation, often exuding a feel that’s more improvised than anything else. Andueza has a seductive tinge of melancholy in her singing that draws you in, not to mention a wide palette of colors she uses to great effect. Baena is as fine a theorbist as I’ve had the pleasure of listening to on recording. His interpretation of Johannes Kapsberger’s Chiaconna exhibits striking musicianship, as does his excellent accompaniment (full of creative textures). Speaking of chiaconna’s, it was lovely to discover Ferrari’s Voglio di vita uscir (“I would depart this life”) having only been familiar with Monteverdi’s setting over a similar bass line”

"Raquel Andueza desgrana cada pieza con una emisión llena de matices y una excelente adecuación voz-texto. Como si de una actriz se tratase, su énfasis verbal es exquisito y pone sus recursos técnicos al servicio de la música. Por su parte, Jesús Fernández Baena es un excelente e inspirador complemento para la voz de la soprano ya que en ningún momento es un mero acompañante. Siempre es una parte muy activa y está atento al significado de lo que se está cantando. Su forma de tocar o tañer (como se prefiera) las cuerdas de su instrumento nos abre las puertas a un gran universo sonoro y fantástico al mismo tiempo.  En este disco se mueven las pasiones, los afectos y hacen un recorrido por todos los estados de ánimo, perfectamente delimitados en el estilo por el amor y los tormentos que éste causa. El tratamiento que hacen de los afectos es conmovedor, como no podía ser de otra forma. Un trabajo de filigrana y un inmejorable comienzo en el mundo de la discografía. Es de desear que su próximo trabajo salga pronto al mercado"
(Héctor Guerrero GRAMOPHONE junio 2009)

“Éste es uno de esos escasos registros que aligeran notablemente la labor del comentarista discográfico. Es, en dos palabras, absolutamente recomendable (…) Como explica Brenno Boccadoro en las notas al CD, en aquel momento “el aria se convierte en una especie de doble psíquico del yo que el compositor traslada a la mente del oyente con el objeto de afectarlo”. Las que aquí se incluyen cumplen admirablemente este objetivo: quien escucha queda “tocado” por la belleza y expresividad de una línea melódica y una armonía que, no por lo sencillo, dejan de pintar con eficacia el dramático contenido de los textos. Raquel Andueza parece encontrarse como en casa con este repertorio: tan dulce, intensa y turbadora como ajustada en estilo. Cuenta además con el cálido y profesional acompañamiento de Jesús Fernández a la tiorba”
(María Santacecilia. DOCENOTAS. 6 de julio de 2009)

"No me cansaré de repetir que España ha alumbrado recientemente una prodigiosa generación de cantantes especializados en el repertorio barroco, la mayoría de ellos situados en la treintena, año más, año menos. La punta de lanza de esta formidable plétora la constituyen, a mi modo de ver, tres sopranos: Núria Rial, María Espada y Raquel Andueza. Sin el aparato mediático que ha encumbrado, en no pocas ocasiones sin merecerlo, a algunas divas foráneas (sobre todo, francesas), Rial, Espada y Andueza están hoy entre las mejores cantantes del mundo (al menos, lo que a la interpretación historicista respecta) y no porque lo diga yo, sino porque lo dicen sus agendas.
Si no me equivoco, éste es el segundo registro en solitario de Andueza, después del que grabara para Naxos, junto al arpista Manuel Vilas, con tonos humanos de Sebastián Durón. Esta vez la acompaña el tiorbista Jesús Fernández Baena, con el que forma dúo estable desde hace algún tiempo. La soprano navarara ha escogido una florida selección de arias de amor del Seicento italiano, compuestas a paratir de la tercera década del siglo. Son piezas debidas a Claudio Monteverdi (1567-1643), Tarquinio Merula (1594-1665), Stefano Landi (1587-1639), Maurizio Cazzati (1620-1677), Benedetto Ferrari (1603-1681) y Barbara Strozzi (1619-1664). Se incluyen, además, dos piezas instrumentales, una chacoa de Alessandro Piccinini (1566-c. 1638) y una toccata de Giovanni Girolamo Kapsberger (c. 1580-1651), las cuales Fernández Baena, habitual componente de Al Ayre Español y de El Concierto Español, entre otros grupos, tañe con un gusto extraordinario. La gran virutd de este disco es que llega a lo más hondo del corazón, por la paz espiritual que transmite. Quienes nos dedicamos a la crítica tenemos la suerte (o la desgracia, según se mire) de escuchar muchos discos, lo que no nos permite emplear el tiempo que quisiéramos en los que verdaderamente nos gustan. Les puedo garantizar que éste lo estuve escuchando durante cinco días seguidos sin parar y sin tener la más mínima gana de escuchar otra cosa que pudiera distraer un ápice mi atención. Tal era mi grado de embelesamiento, que no ha disminuido para nada, pues en cuanto tengo la más mínima ocasión me vuelvo a poner con él. Contiene dos de las más hermosas obras compuestas por músicos alguno, el Folle è ben che si crede, de Merula con el que se inicia el compacto, y Si dolce è il tormento, de Monteverdi, con el que se cierra. He escuchado infinidad de versiones de ambas y jamás me habían calado tanto (bueno, he de reconocer que hay un Folle è ben de Núria Rial que circula por ahí que también es capaz de hacer resucitar a un muerto). Pero es que el resto de las arias que se incluyen no le van a la zaga en cuanto a belleza.- Pocas veces he escuchado un programa compuesto por piezas tan arrebatadoras y pocas veces las he escuchado tan bien interpretadas como ahora. Estamos ante un disco de ésos que reclaman un lugar de privilegio en nuestra discoteca, un lugar de fácil acceso para poder escucharlo cuando nos querramos aislar del mundo que nos rodea. Por si fuera poco, el envoltorio es realmente soberbio, no sólo por lo documentado de las notas, sino también por el detalle, siempre de agradecer, de que se traduzca al español las arias"
(Eduardo Torrico CD COMPACT febrero 2009 RECOMENDADO)

"El disco de la soprano Raquel Andueza y el tañedor de tiorba Jesús Fernández Baena bien podría ser un regalo de Navidad o una deliciosa indulgencia en cualquier momento del año. El programa está brillantemente construido en torno a la idea del amor y sus tormentos. Me parece que las arias de la compositora Barbara Strozzi constituyen el eje central del recital, flanqueadas por dos magníficas composiciones de Tarquinio Merula y Claudio Monteverdi. También hay algunas arias de autores como Stefano Landi y Benedetto Ferrari así como piezas para tiorba sola de grandes maestros como Johannes Kapsberger. Los talentos de ambos artistas han quedado bellamente ilustrados en esta producción que posee una excelente toma de sonido que permite el despliegue total de las dinámicas de Andueza y el instrumento de Fernández Baena. La reverberación natural del Convento de la Santa Cruz de Azkoitia es totalmente apta a la atmósfera de media luz de esta producción.- Desde la primera aria “Folle e ben che si crede” (Está loco el que crea) de Tarquinio Merula he quedado prendado de la voz de Andueza y el quehacer musical de Fernández Baena. Andueza es una soprano ligera de timbre argento y dúctil. Las dinámicas que despliega a lo largo de sus interpretaciones no sólo conquistan al oído sino que nos transportan al corazón de cada una de estas arias despechadas y desgarradoras. Los amantes encarnados por Andueza no son personajes melodramáticos del peor corte sino seres humanos tocados por el amor no correspondido.- Fernández Baena, por otro lado, no es un mero acompañante. Todas estas arias tienen una relación casi simbiótica entre la voz y el instrumento. Su toque es poético y el vibrato expresivo que logra en diversos momentos es terso o sollozante según las oportunidades musicales, varias de las modulaciones del bajo continuo son sorprendentes"
(Ricardo Marcos G.)

"Raquel es sin duda una de las grandes cantantes españolas de nuestros días. Y su voz se ajusta especialmente bien a esta música, en la que la forma de decir y lo que se dice van en tan estrecha comunión que música y palabra se potencian mutuamente (y se repelen, cuando la dicción, la prosodia o la ornamentación no funcionan como deberían). Las palabras claves de cada tema están aquí perfectamente identificadas y matizadas como corresponde, evitando el énfasis innecesario, pero también la sosería. Raquel es una cantante muy cálida y expresiva para el público, lo que se aprecia sin dificultad cuando se la ve en directo, pero siempre es más difícil captar en una grabación: el trabajo técnico está aquí muy bien hecho, porque su voz (que parte de ese timbre tan particular y definido, inconfundible) transmite con apasionada intensidad el torturado y mórbido contenido de esta música que, cuando fluye así, alcanza una fuerza expresiva arrasadora"
(Pablo J. Vayón / http://pablojvayon.blogspot.com)

"En este terreno se centra este recital de la navarra Raquel Andueza y el sevillano Jesús Fernández: un exquisito y atormentado paseo por la música de Merula, Strozzi, Landi, Ferrari o Monteverdi, que Raquel canta con dulce fiereza"
(Diario de Sevilla, 6 de diciembre de 2008)

"Este disco es un inmejorable ejemplo de todo esto (disfrute a partes siguales de los versos y los sonidos ordenados del canto) y adopta como telón de fondo uno de los temas presidlectos de los poetas clásicos: el dulce dolor del amor. Esa locura tormentosa e impredecible causada por la más indescriptible irracionalidad. Las músicas que sobre tal asunto se escribieron en aquellas décadas son un tesoro ciertamente irrepetible. Se me ocurren pocos títulos mejores que éstos para introducirse en ese mundo, para disfrutar de un repertorio de una belleza incontestable. Y es que imagino que a Raquel Andueza y a Jesús Fernández Baena les costería elegir cuáles de entre todas ellas, incluir en un CD. (...) Hermosísima interpretación, por calidad y calidez, capaz de satisfacer en el más alto grado a todo tipo de emlómano, desde el neófico curioso al sibarita más exigente"
(Mariano Acero Ruilópez. Diverdi diciembre 2008

"Todo el disco rezuma gusto, exquisitez, sentimiento, apasionamiento y ese halo de tristeza en los afectos del desengaño amoroso. La tiorba de Jesús Fernández en recatado y sutil acompañamiento tiene ocasión de demostrarse a solo en dos breves piezas de Kapsberger y Piccinini"
(Variaciones GOLBERG november 2008)

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